Arte

Las sopas enlatadas de Warhol

En la década de 1960, el mundo del arte de Nueva York estaba atrapado en la rutina. Hasta las obras del expresionismo abstracto de los años 40 y 50 se habían convertido en un cliché.

Warhol fue uno de los primeros artistas que sintió la necesidad de incorporar imágenes a su trabajo. La galerista y diseñadora de interiores Muriel Latow le dio a Warhol la idea de que pintara objetos que la gente usaba todos los días (y se rumorea que Warhol comía latas de sopa a diario).

Para ello creó una imagen que es fácilmente reconocible, pero también visualmente estimulante con 32 latas de sopa de Campbell. De este modo Warhol se propuso recrear sutilmente la abundancia de la sociedad americana de los años 60, recreando la experiencia de estar en un supermercado bien abastecido.

Ven a conocer la obra del controvertido artista Andy Warhol en la exposición de CaixaForum Madrid «Warhol, El Arte Mecánico» de la mano de Isabel Ramos.

La Condesa de Goya, una gran mujer de la Ilustración

En la España ilustrada de finales del XVIII y principios del XIX vivió una mujer que no sólo acumuló una larga lista de títulos nobiliarios sino que fue también una importante mecenas de las artes.

María Isabel de Braganza, fundadora del Museo del Prado

María Isabel de Braganza nació en Lisboa el 19 de mayo de 1797, hija de Juan VI de Portugal y de Carlota Joaquina de Borbón. Fue reina de España al casarse en 1816 con su tío, Fernando VII, siendo su segunda esposa.

El Pelele, ¿alegoría del poder de la mujer?

Goya pintó este cartón para tapiz entre 1791 y 1792, como parte de una serie de tapices que iban a decorar las estancias reales de Carlos IV en El Escorial.

Marte, el dios abatido de Velázquez

Marte o el dios Marte (1639) está consideraba una de las obras donde Velázquez expresó mejor la mirada crítica y personal que solía aplicar a los temas mitológicos.

La pintura sobre cerámica de los mayas, un arte no superado

Una de las técnicas en la que los antiguos mayas más destacaron fue la pintura sobre cerámica. Tal fue la perfección técnica y la elegancia estética que alcanzó, que ni siquiera las célebres cerámicas de la Grecia clásica han conseguido superarla.
 
Los mayas seguían la técnica conocida como engobe, consistente en crear una superficie dura y muy brillante, parecida a lo que hoy conocemos como terra sigillata,
 
La técnica se basaba en cortar diminutas partículas de arcilla y elaborar con ellas una pasta de barro molido muy fino, que posteriormente se mezclaba con agua abundante en un tanque de decantación. Una vez pintadas, las piezas se cocían a baja temperatura.
 
Las escenas mayas trataban de temas históricos y, sobre todo, de la visión religiosa y mitológica del mundo, sobre la que los mayas construyeron su fascinante civilización.
 
Los usos a los que destinaban los objetos de cerámica eran muy diversos, desde cuencos para comer, a regalos para las clases dirigentes, o para depositarlos en las tumbas de los muertos venerados.
 
Ven a conocer en vivo y en directo la cerámica de los antiguos mayas en la visita «LOS MAYAS EN EL MUSEO DE AMÉRICA» con la experta Rocío García.

Isabel de Farnesio, una reina con mucho carácter

Isabel de Farnesio es un personaje clave para entender la España de la Ilustración, y la obra del pintor de cámara del rey Louis-Michel Van Loo titulada «La Familia de Felipe V» (1743), lo deja bastante claro.
 
En la obra aparecen el rey y su segunda esposa, Isabel de Farnesio, rodeados por sus descendientes, los futuros Fernando VI -hijo del primer matrimonio del soberano- y Carlos III, ambos con sus esposas respectivas y todos los demás miembros de la familia real que vivían entonces.
 
La reina consorte Isabel de Farnesio, no sólo es la protagonista absoluta del cuadro, sino que con toda seguridad marcó las directrices estéticas y compositivas dejando una huella indudable de su carácter dominante.
 
La soberana, además de ocupar el eje central del cuadro, aparece cómodamente sentada con un brazo apoyado junto a la propia corona, una postura verdaderamente insólita que revela el grado de poder que alcanzó en la segunda mitad del reinado de su esposo, que se sitúa a su derecha y mira hacia su lado anciano.
 
No en vano gracias a su robusto carácter pudo soportar estoica los maltratos del rey, cuidando a su marido hasta su muerte y haciéndose cargo del gobierno del reino.
 
Todo un tratado de psicología digna de ser observado en vivo y en directo en la visita «MUJERES DE LA ILUSTRACIÓN EN EL MUSEO DEL PRADO», de la mano de la experta Mar Cristóbal.

Descubrimos el secreto del cuadro mágico de la Sagrada Familia

Ya sabéis que los magos nunca revelan al público sus trucos, y nosotros, siguiendo su ejemplo, tampoco solemos desvelar los «secretos» que los expertos de Conoceris descubren en sus eventos. Pero en esta ocasión, una usuaria nos pregunta por el significado de este cuadro de números que aparece en la fachada de la Sagrada Familia y vamos a contarlo.

Se trata de un criptograma conocido como cuadro mágico, y está situado justo antes de cruzar la puerta de la Pasión a la izquierda de la entrada.

El cuadro contiene 16 casillas y tiene la particularidad de que la suma de las filas horizontales es 33, lo mismo que si se suman las verticales…y las diagonales… y las cuatro casillas centrales … y las de las esquinas. Y te estarás preguntando ¿por qué?

Y aquí es donde surgen unas cuantas teorías, entre ellas la que relaciona el cuadrado mágico con los 33 grados de la masonería y un supuesto pasado masón de Gaudí.

Sin embargo, el cuadrado mágico de la Sagrada Família no fue obra de Gaudí, sino de Josep Maria Subirachs, quien creó el conjunto escultórico de la Fachada de la Pasión.

Lejos de la relación con la masonería, Subirachs inventó el cuadrado mágico para representar que el número 33 es la edad de Jesucristo cuando murió en la cruz.

Ven a conocer los secretos que esconde la Sagrada Familia de la mano del experto Sergio Rodríguez, en la visita «SAGRADA FAMILIA, SIMBOLOGÍA EN PIEDRA».

Las Hilanderas, ¿un cuadro de costumbres o una pintura mitológica?

Más que un cuadro de costumbres se ha descubierto que la obra es en sí una pintura mitológica. Pintada para el montero del rey, don Pedro de Arce, en su inventario figuraba como Fábula de Aracne de Velázquez.

Aracne, fue una doncella lidia que tuvo la osadía de considerarse la mejor tejedora de tapices, y por ello fue convertida en araña por la diosa Minerva. Este dramático final no aparece representado, claro, en la obra.

Aracne aparece vestida con una blusa blanca y una faja roja sobre su falda verde oliva en el momento en que recibe a otras mujeres. Minerva se encuentra en el cuadro transfigurada en una anciana.

Ven a conocer Las Hilanderas de Velázquez de la mano de la experta Marta Nuño en el Museo del Prado.

¿Qué relación hay entre Italia y La Fragua de Vulcano?

La relación se encuentra en que el primer viaje de Velázquez a Italia supuso un cambio decisivo en su carrera como artista. En los 18 meses que estuvo en Italia, su pintura experimentó un cambio radical. Y una de las obras en las que mejor se puede apreciar la influencia del paso por Italia en el artista es precisamente la obra La Fragua de Vulcano.

Velázquez pintó el cuadro en 1630 y lo vendió posteriormente a la Corona en 1634. Curiosamente el documento de compra indica que la obra fue pintada sin que hubiera un encargo previo.

La escena refleja un conocido pasaje de la Metamorfosis de Ovidio, en la que Apolo se acerca a la forja para contarle a Vulcano la infidelidad de su esposa Venus, con Marte.

El cuadro es un ejemplo extraordinario de la habilidad de Velázquez para trasladar el mito a un ambiente cotidiano, y muestra con genial maestría las figuras de hombres corrientes y la expresión en las caras de Vulcano y sus ayudantes los cíclopes al recibir la noticia.

Ven a disfrutar de la obra de este genio de la pintura con la experta Marta Nuño, en el mejor lugar del mundo para hacerlo: el Museo del Prado.

¿Sabes qué es una hidria y para qué se utilizaba?

La hidria es una jarra de cerámica con tres asas que servía en la Antigua Grecia para facilitar la recogida de agua en la fuente, su transporte y posteriormente su vertido.
 
La hidria tiene un gran cuerpo con forma ovoide para contener el líquido y un cuello alto con gran boca circular que se utiliza para recoger el agua y verterla.
 
Pero lo más característico de la hidria son sus tres asas: un asa vertical, que une la boca al cuerpo y es ideal para sujetar la jarra inclinada, y dos asas horizontales, para transportar la jarra con las dos manos en trayectos cortos.
 
A la función de la hidria se une la belleza de su decoración, tanto por el dominio de las figuras negras como como por las composiciones artísticas que se representan.
 
Ven a conocer la espectacular colección de hidrias y cerámica griega del Museo Arqueológico Nacional de la mano de la experta Isabel Ramos, en «EL ORIGEN DE LA CERÁMICA EN EL MUSEO ARQUEOLÓGICO».

¿Cómo empezó Velázquez su carrera como pintor?

Velázquez inició su formación en el taller sevillano de Herrera el Viejo, quien disfrutaba de prestigio y renombre en la ciudad.

Se dice que debido a su mal humor, Velázquez acabó abandonando el taller de Herrera y se marchó de aprendiz con Pacheco, que es más conocido hoy en día por su faceta de maestro de Velázquez (y posteriormente, suegro del artista), que en la de pintor y erudito.

Aunque Pachecho no pudo enseñar mucho a Velázquez en el ámbito pictórico, sí le proporcionó un alto nivel cultural, tanto religioso como literario. Esta cultura le sirvió a Velázquez para formar su propia ideología artística.

Años más tarde Velázquez continuará su formación pictórica en la Corte, y sobre todo en sus viajes por Italia.

Ven a conocer la vida y obra de Velázquez de la mano de la experta Marta Nuño, en el evento «VELÁZQUEZ EN EL MUSEO DEL PRADO».